Libro: Leonardo y el aprendiz volador
Autor: Laurence Arholt
Ediciones: Serres
Es un cuento sobre Leonardo de Vinci (1452-1519), destinado al público más joven. Se basa en personajes reales.
Hermosísimas ilustraciones acompañan al texto que va relatando lo que le sucedió al niño Zoro, aprendiz de pintor, que vivió en una época en la que “no había naves espaciales ni aviones y el cielo pertenecía a los pájaros”.
Sin embargo, ese niño frecuentaba la casa de un señor de larga barba blanca que le decía que algún día la gente navegaría a través de las nubes y podría ver el mundo bajo sus pies. Ese hombre era Leonardo de Vinci, pintor, escultor, matemático, músico, científico, inventor.
El libro cuenta la relación que ambos tenían con Salei, un niño muy difícil, que también era aprendiz del taller de Leonardo.
Creo que el título del libro puede despertar la curiosidad de los niños. El libro es muy recomendable.
martes, 26 de febrero de 2008
Film: Un golpe de suerte
Director: Mark Mylod
Elenco: Robin Williams (Paul Barnell), Holly Hunter (Margaret barnell), Giovanni Ribisi (Ted), Alison Lohman (Tiffany), Tim Blake Nelson ( Gary), Woody Harrelson ( Ramond).
“The big white” es el nombre de esta comedia negra rodada en U.S.A. en el año 2005.En Alaska, Paul Barnell es dueño de una agencia de viajes. Está pasando por un mal momento personal. Descubre un cadáver cerca de su oficina y cree que su situación puede mejorar si intenta hacer creer que es su hermano, al que no ve desde hace muchos años, y lograr cobrar la póliza de seguro de vida. Con ese dinero podría mudarse con su esposa muy enferma a un lugar más cálido.
Todo se dificulta cuando un especial agente de seguros no dejará que Paul se embolse el dinero con facilidad. Menos aún se lo permitirá un grupo de mafiosos encabezado por un sicario que trata de recuperar el cadáver.
El film, que dura 106 minutos, mantiene un buen ritmo de acción.
Director: Mark Mylod
Elenco: Robin Williams (Paul Barnell), Holly Hunter (Margaret barnell), Giovanni Ribisi (Ted), Alison Lohman (Tiffany), Tim Blake Nelson ( Gary), Woody Harrelson ( Ramond).
“The big white” es el nombre de esta comedia negra rodada en U.S.A. en el año 2005.En Alaska, Paul Barnell es dueño de una agencia de viajes. Está pasando por un mal momento personal. Descubre un cadáver cerca de su oficina y cree que su situación puede mejorar si intenta hacer creer que es su hermano, al que no ve desde hace muchos años, y lograr cobrar la póliza de seguro de vida. Con ese dinero podría mudarse con su esposa muy enferma a un lugar más cálido.
Todo se dificulta cuando un especial agente de seguros no dejará que Paul se embolse el dinero con facilidad. Menos aún se lo permitirá un grupo de mafiosos encabezado por un sicario que trata de recuperar el cadáver.
El film, que dura 106 minutos, mantiene un buen ritmo de acción.
Film: La vida interior de Martin Frost
Director y guión: Paul Auster
Elenco: David Thewlis (Martin Frost), Irène Jacob (Claire Martin), Michael Imperioli (James Fortunato), Sophie Auster (Anna James).
Este film fue producido por Portugal, España U.S.A. y Francia en 2007.
Artin Frost es un escritor de éxito que acaba de escribir un libro y va a pasar un tiempo en la casa decampo de unos amigos.
Al despertarse, después de haber pasado allí su primera noche, descubre en su cama acostada una misteriosa y deslumbrante mujer. Queda fascinado pues es muy bella. Luego se da cuenta que también es inteligente. Martín se apasiona y cree haber encontrado a su musa que le va a mejorar la novela que está tratando de escribir.
Esa mujer conoce muy bien su vida y su obra. Dice ser sobrina de los dueños de la casa. Pero luego, se descubre que no lo es.
¿Quién es esa mujer? ¿Será una musa real? ¿Será un fantasma deslizado desde su interior?
Creo que es un buen film de suspenso con muy buenas actuaciones. Duración del film 93 minutos.
Director y guión: Paul Auster
Elenco: David Thewlis (Martin Frost), Irène Jacob (Claire Martin), Michael Imperioli (James Fortunato), Sophie Auster (Anna James).
Este film fue producido por Portugal, España U.S.A. y Francia en 2007.
Artin Frost es un escritor de éxito que acaba de escribir un libro y va a pasar un tiempo en la casa decampo de unos amigos.
Al despertarse, después de haber pasado allí su primera noche, descubre en su cama acostada una misteriosa y deslumbrante mujer. Queda fascinado pues es muy bella. Luego se da cuenta que también es inteligente. Martín se apasiona y cree haber encontrado a su musa que le va a mejorar la novela que está tratando de escribir.
Esa mujer conoce muy bien su vida y su obra. Dice ser sobrina de los dueños de la casa. Pero luego, se descubre que no lo es.
¿Quién es esa mujer? ¿Será una musa real? ¿Será un fantasma deslizado desde su interior?
Creo que es un buen film de suspenso con muy buenas actuaciones. Duración del film 93 minutos.
Film: El caso Litvinenko
Director: Andrei Nekrasov
Intervienen: Alexander Litvinenko,Marina Litvinenko,Anna Polittkooskaya,, Andrei Nekrasov, André Glucksmann
Guión: Andrei Nekrasov y Olga Konskaya.
Alexander Litvinenko vivió exiliado cinco años desde que dejó Rusia hasta que murió en noviembre de 2006 en Londres por envenenamiento debido a una sustancia radiactiva (polonio 210).
Fue agente del FSB (Servicio Federal de Seguridad, sucesor del KGB).
Durante ese tiempo mantuvo diferentes encuentros y conversaciones con su amigo Andrei Nekrasov quien se basó en dichos materiales para este film que analiza la llegada al poder del estado policial en Rusia y desvela sus sombras secretas a lo largo de la última década.
Director: Andrei Nekrasov
Intervienen: Alexander Litvinenko,Marina Litvinenko,Anna Polittkooskaya,, Andrei Nekrasov, André Glucksmann
Guión: Andrei Nekrasov y Olga Konskaya.
Alexander Litvinenko vivió exiliado cinco años desde que dejó Rusia hasta que murió en noviembre de 2006 en Londres por envenenamiento debido a una sustancia radiactiva (polonio 210).
Fue agente del FSB (Servicio Federal de Seguridad, sucesor del KGB).
Durante ese tiempo mantuvo diferentes encuentros y conversaciones con su amigo Andrei Nekrasov quien se basó en dichos materiales para este film que analiza la llegada al poder del estado policial en Rusia y desvela sus sombras secretas a lo largo de la última década.
Film: Tropa de élite
Director: José Padilha
Guión:José Padilla, Braulio Mantovani, Rodrigo Pimentel
Harvey Weinstein dijo: “Es una de las películas más honestas y provocadoras que he visto en mucho tiempo y es importante que sea vista por audiencias de todo el mundo y que obtenga el reconocimiento de la gente”.
Es un film ambientado en Río de Janeiro en 1982 presentando un íntimo retrato de la vida de dos amigos André Matías y Neto que forman parte de un batallón de operaciones especiales (BOPE), creado con el fin de luchar contra el narcotráfico en las favelas, independientemente de la policía local.
A través de los ojos de Batista, la historia muestra el comienzo de su carrera en la fuerza policial, pasando por su duro entrenamiento y concluyendo en un tremendo relato de la violencia y la corrupción en las zonas más pobres de la ciudad.
El film se ha convertido en un escándalo en Brasil, provocando debates sobre las causas de la violencia en las grandes ciudades y del tráfico de drogas.
Al principio, el film fue concebido como un documental pero no se siguió con la idea porque la policía no quería ser entrevistada.
Es el primer film de Brasil que trata este tema. La idea del director era mostrar lo que significa ser policía en Río de Janeiro y cómo trabajan en las favelas y así se puede entender las razones por qué las fuerzas policíacas son víctimas del sistema, los salarios son bajos y no son compensados por el peligro que enfrentan en su trabajo. Para el cineasta, la película critica a la sociedad y a la política del Brasil, la hipocresía, porque si alguien compra drogas, el estado no puede castigarlo, pero un niño pobre que vende droga va a la cárcel.
El film fue el más visto en el Festival de Berlín de 2008
Director: José Padilha
Guión:José Padilla, Braulio Mantovani, Rodrigo Pimentel
Harvey Weinstein dijo: “Es una de las películas más honestas y provocadoras que he visto en mucho tiempo y es importante que sea vista por audiencias de todo el mundo y que obtenga el reconocimiento de la gente”.
Es un film ambientado en Río de Janeiro en 1982 presentando un íntimo retrato de la vida de dos amigos André Matías y Neto que forman parte de un batallón de operaciones especiales (BOPE), creado con el fin de luchar contra el narcotráfico en las favelas, independientemente de la policía local.
A través de los ojos de Batista, la historia muestra el comienzo de su carrera en la fuerza policial, pasando por su duro entrenamiento y concluyendo en un tremendo relato de la violencia y la corrupción en las zonas más pobres de la ciudad.
El film se ha convertido en un escándalo en Brasil, provocando debates sobre las causas de la violencia en las grandes ciudades y del tráfico de drogas.
Al principio, el film fue concebido como un documental pero no se siguió con la idea porque la policía no quería ser entrevistada.
Es el primer film de Brasil que trata este tema. La idea del director era mostrar lo que significa ser policía en Río de Janeiro y cómo trabajan en las favelas y así se puede entender las razones por qué las fuerzas policíacas son víctimas del sistema, los salarios son bajos y no son compensados por el peligro que enfrentan en su trabajo. Para el cineasta, la película critica a la sociedad y a la política del Brasil, la hipocresía, porque si alguien compra drogas, el estado no puede castigarlo, pero un niño pobre que vende droga va a la cárcel.
El film fue el más visto en el Festival de Berlín de 2008
Film: Luz de domingo
Director: Luis Garci
Elenco: Alfredo Landa (Joaco), Paula Echevarría (Estrella), Alex González(Urbano), Kivi Manver (doña Paredes), Manuel Galiana (Alpaca), Toni Acosta (Cova), Carlos Larrañaga (Atila), Andrea Tenuta (Parrula), Enrique Villén (Longinos), Francisco Algora (Chanfaina), Mapi Sagaseta (Regina), Fernando Guillén ( Ramón).
Guión: Luis Garci y Horacio Valcárcel, inspirado en un relato de Ramón Pérez de Ayala.
Este film, en parte rodado en Asturias, se estrenó el 16 de noviembre en España. Se desarrolla a comienzos del siglo XX en el pueblo ficticio de Cenciella. Allí llega Urbano para ocupar la secretaría del Ayuntamiento. Descubre que el alcalde del municipio y sus tres hijos no son gente de fiar; se enamora de la nieta de Joaco, dueño de una huerta que el regidor quiere adquirir de cualquier manera, incluso acometiendo un acto vil, repugnante que marcará la vida de la pareja bondadosa e ingenua. Urbano es liberal e idealista y desea mantenerse neutral, pero los del bando enemigo deciden vengarse de su decisión.
La historia es sencilla, los ambientes están muy bien cuidados, con algunas escenas triviales y otras de gran fuerza dramática y emocional. El resultado global es poco satisfactorio. Quizás hay un exceso de efectos sonoros.
Los diálogos del guión mezclan con pericia lo trascendente con lo ufano.
Los intérpretes fueron bien dirigidos por Garci.
Este drama dura 110 minutos.
Director: Luis Garci
Elenco: Alfredo Landa (Joaco), Paula Echevarría (Estrella), Alex González(Urbano), Kivi Manver (doña Paredes), Manuel Galiana (Alpaca), Toni Acosta (Cova), Carlos Larrañaga (Atila), Andrea Tenuta (Parrula), Enrique Villén (Longinos), Francisco Algora (Chanfaina), Mapi Sagaseta (Regina), Fernando Guillén ( Ramón).
Guión: Luis Garci y Horacio Valcárcel, inspirado en un relato de Ramón Pérez de Ayala.
Este film, en parte rodado en Asturias, se estrenó el 16 de noviembre en España. Se desarrolla a comienzos del siglo XX en el pueblo ficticio de Cenciella. Allí llega Urbano para ocupar la secretaría del Ayuntamiento. Descubre que el alcalde del municipio y sus tres hijos no son gente de fiar; se enamora de la nieta de Joaco, dueño de una huerta que el regidor quiere adquirir de cualquier manera, incluso acometiendo un acto vil, repugnante que marcará la vida de la pareja bondadosa e ingenua. Urbano es liberal e idealista y desea mantenerse neutral, pero los del bando enemigo deciden vengarse de su decisión.
La historia es sencilla, los ambientes están muy bien cuidados, con algunas escenas triviales y otras de gran fuerza dramática y emocional. El resultado global es poco satisfactorio. Quizás hay un exceso de efectos sonoros.
Los diálogos del guión mezclan con pericia lo trascendente con lo ufano.
Los intérpretes fueron bien dirigidos por Garci.
Este drama dura 110 minutos.
Film: La habitación de Fermat
Dirección y guión: Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña
Elenco: Federico Luppi (Fermat), Lluis Homar (Hilbert), Alejo Sauras (Gabriel), Elena Ballesteros (Oliva), Santi Millán (Pascal).
Este thriller realizado en España en 2007 trata de cuatro matemáticos que son invitados para resolver un enigma fascinante. La cita es en una especie de hangar en malas condiciones que alberga la habitación de Fermat, su anfitrión. Cuando éste se va, los matemáticos descubren que si no resuelven unos acertijos la situación se agravará hasta el extremo de ser aplastados irremediablemente. Es un verdadero juego diabólico donde sus vidas corren peligro.
El planteamiento del film es teatral, pues los cuatro matemáticos deben convivir en esa habitación.
El elenco realiza un loable trabajo, aunque por momentos, algunas interpretaciones resultan forzosas: Santi Millán aparece extrañamente profundo y hundido, Alejo Sauras tiene un rol que evoluciona a lo largo de la trama. Lluis Homar está estupendo, Elena Ballesteros correcta y Federico Luppi llena la pantalla con sus escasas apariciones en las que se lo ve muy solemne en algunas ocasiones y muy campechano en otras.
La narración es trepidante, por lo tanto, se requiere siempre la atención del espectador.
Los realizadores despliegan sus conocimientos para tener éxito en esta trama tramposa, con giros inesperados, dobles juegos entre los participantes.
El montaje recorre cada lugar de la habitación subrayando la claustrofóbica sensación del espacio cerrado.
Los cerebros del cuarteto se ven tensionados ya que sus vidas dependen de los planteamientos matemáticos. Mientras uno o varios tratan de resolver un juego mortal, otros deben averiguar qué está sucediendo realmente. Todo ha sido planeado por un cerebro malévolo.
En este contexto tensionado hay momentos de humor inteligentes y espontáneos.
Esta propuesta recomendable dura 90 minutos.
Dirección y guión: Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña
Elenco: Federico Luppi (Fermat), Lluis Homar (Hilbert), Alejo Sauras (Gabriel), Elena Ballesteros (Oliva), Santi Millán (Pascal).
Este thriller realizado en España en 2007 trata de cuatro matemáticos que son invitados para resolver un enigma fascinante. La cita es en una especie de hangar en malas condiciones que alberga la habitación de Fermat, su anfitrión. Cuando éste se va, los matemáticos descubren que si no resuelven unos acertijos la situación se agravará hasta el extremo de ser aplastados irremediablemente. Es un verdadero juego diabólico donde sus vidas corren peligro.
El planteamiento del film es teatral, pues los cuatro matemáticos deben convivir en esa habitación.
El elenco realiza un loable trabajo, aunque por momentos, algunas interpretaciones resultan forzosas: Santi Millán aparece extrañamente profundo y hundido, Alejo Sauras tiene un rol que evoluciona a lo largo de la trama. Lluis Homar está estupendo, Elena Ballesteros correcta y Federico Luppi llena la pantalla con sus escasas apariciones en las que se lo ve muy solemne en algunas ocasiones y muy campechano en otras.
La narración es trepidante, por lo tanto, se requiere siempre la atención del espectador.
Los realizadores despliegan sus conocimientos para tener éxito en esta trama tramposa, con giros inesperados, dobles juegos entre los participantes.
El montaje recorre cada lugar de la habitación subrayando la claustrofóbica sensación del espacio cerrado.
Los cerebros del cuarteto se ven tensionados ya que sus vidas dependen de los planteamientos matemáticos. Mientras uno o varios tratan de resolver un juego mortal, otros deben averiguar qué está sucediendo realmente. Todo ha sido planeado por un cerebro malévolo.
En este contexto tensionado hay momentos de humor inteligentes y espontáneos.
Esta propuesta recomendable dura 90 minutos.
Film: El Prado de las Estrellas
Director y guión: Mario Camus
Con: Álvaro de Luna (Alfonso), Marian Aguilera (Luisa), Rodolfo Sancho (Mauri), Oscar Abad (Martín), Mari Gopnzález (Nanda), Juan Margallo (Escobado), José Manuel Cervino (Tasio), Antonio de la Torre (Ramiro), Juan del Santo (Amado Beotegui), Carlos Chamarro (Pedro).
“El Prado de las Estrellas” toma el nombre de los recuerdos infantiles de Alfonso. Cincuenta años más tarde de aquellos momentos de su juventud, Alfonso vive jubilado en su casa de siempre y visita a Nanda, una anciana que fue su vecina y un poco su madre cuando se quedó huérfano. Nanda vive ahora en una residencia de ancianos, en la que trabaja Luisa, una joven asistente social que trata de vivir su propia vida.
Una mañana, Alfonso se encuentra con un joven que aparece entre la niebla en su bicicleta. Es Martín. A partir de ese amanecer y avivado por los sueños del chico, pronto se instalará la amistad entre el viejo maestro y la joven promesa ciclista.
El director analiza serenamente y con melancolía el cambio de una sociedad rural y agrícola a otra deseosa de abrirse paso a otro mundo.
Camus no expone tesis o subraya algunos de los muchos mensajes que hay en el film, sino que da una mirada inteligente, madura, realista, emotiva, sobria y profunda.
Varias historias se entrecruzan en una Cantabria dominada por una nebulosa luminosidad.
Los actores mayores dan la justa medida a su interpretación debido a su madurez
En cuanto a los más jóvenes, técnicamente están bien, pero quizás les faltó algo más de emotividad. De todas formas, es recomendable.
Director y guión: Mario Camus
Con: Álvaro de Luna (Alfonso), Marian Aguilera (Luisa), Rodolfo Sancho (Mauri), Oscar Abad (Martín), Mari Gopnzález (Nanda), Juan Margallo (Escobado), José Manuel Cervino (Tasio), Antonio de la Torre (Ramiro), Juan del Santo (Amado Beotegui), Carlos Chamarro (Pedro).
“El Prado de las Estrellas” toma el nombre de los recuerdos infantiles de Alfonso. Cincuenta años más tarde de aquellos momentos de su juventud, Alfonso vive jubilado en su casa de siempre y visita a Nanda, una anciana que fue su vecina y un poco su madre cuando se quedó huérfano. Nanda vive ahora en una residencia de ancianos, en la que trabaja Luisa, una joven asistente social que trata de vivir su propia vida.
Una mañana, Alfonso se encuentra con un joven que aparece entre la niebla en su bicicleta. Es Martín. A partir de ese amanecer y avivado por los sueños del chico, pronto se instalará la amistad entre el viejo maestro y la joven promesa ciclista.
El director analiza serenamente y con melancolía el cambio de una sociedad rural y agrícola a otra deseosa de abrirse paso a otro mundo.
Camus no expone tesis o subraya algunos de los muchos mensajes que hay en el film, sino que da una mirada inteligente, madura, realista, emotiva, sobria y profunda.
Varias historias se entrecruzan en una Cantabria dominada por una nebulosa luminosidad.
Los actores mayores dan la justa medida a su interpretación debido a su madurez
En cuanto a los más jóvenes, técnicamente están bien, pero quizás les faltó algo más de emotividad. De todas formas, es recomendable.
Film: Café Lumière
Director: Hou Hsiao- Hsien
Yoko es una joven escritora japonesa que se hace amiga de Hajima, el dueño de una librería de segunda mano que gusta grabar los sonidos de los trenes. Juntos comienzan a pasar su tiempo en varios cafés de la ciudad. Hajime ama a Yoko en secreto. Sin embargo, Yoko está embarazada de otro hombre. Sus padres están preocupados por su futuro y su decisión de ser una madre soltera. La relación entre los jóvenes es extraña, entre la amistad y el amor, pero éste nunca explota sino que se adapta al tiempo sosegado del film.
Es una historia que se enmarca en una actualidad indeterminada, casi apocalíptica. Los días pasan con la cadencia de la verdad. Hay un delicado tratamiento de una realidad ficticia o de una fisión verídica.
El film es bastante lento pues dura más de dos horas y el argumento es muy simple.
Todo lo que rodea a las cafeterías y cafés donde se reúnen los protagonistas constituye, quizás, los mejores pasajes para narrar, lo que a priori, parece inenarrable: el acontecer de una búsqueda en silencio ahogado, apenas perceptible, si no se está muy atento. Es una historia extraña por su premisa y por su ritmo.
El director presenta el conflicto entre padres e hijos, que se traduce por una total incomunicación. No hay entendimiento.
La protagonista se pasa todo el film buscando un pasado concreto, visible o tangible en un Tokio tecnificado y donde los trenes parecen ser un refugio espiritual. Ella busca el café al que asistía un famoso compositor y esa búsqueda tiene que ver con la necesidad de reencontrarse con ese pasado del que fue apartada al ser abandonada por su madre. Aparece el problema de la pérdida de la identidad y ella es consciente de que debe ir a buscar su pasado, aunque sea en forma indirecta.
El realizador, por su parte, trata de buscar las raíces del cine, su pasado, comprenderlo y así seguir avanzando, pero sin dejar de mirar atrás.
El café que busca la protagonista se transforma para el director en el Café Lumière, es decir, navegar, bucear por toda la historia del cine para dotarlo de una identidad propia, frente a todos los que quieren contaminar el Séptimo Arte con política, filosofía, etc.
Según algunos críticos que conocen la obra de este cineasta, este film es un homenaje al director Yasujiro Oru, debido al centenario de su nacimiento y eso se nota en escenas donde parece haber rescatado planos de films de este director: “Cuentos de Tokio”, o “Buenos Días”, como también brinda gran cantidad de tomas frontales y de encuadres a pie de tatami, habituales en ese director japonés. A ese director también le gustaban temas como el desencuentro de padres e hijos, el tema del matrimonio entre las nuevas generaciones y un estilo de vida no aceptado por los familiares.
Algunos espectadores han comentado a la salida del cine que se habían aburrido, porque no hay ritmo, casi no hay diálogos, los personajes no transmiten emociones.
En fin, estimado lector, Ud. sabrá después de haber leído estas informaciones lo que debe hacer: ¿verla? o ¿no verla? Esa es la pregunta.
Director: Hou Hsiao- Hsien
Yoko es una joven escritora japonesa que se hace amiga de Hajima, el dueño de una librería de segunda mano que gusta grabar los sonidos de los trenes. Juntos comienzan a pasar su tiempo en varios cafés de la ciudad. Hajime ama a Yoko en secreto. Sin embargo, Yoko está embarazada de otro hombre. Sus padres están preocupados por su futuro y su decisión de ser una madre soltera. La relación entre los jóvenes es extraña, entre la amistad y el amor, pero éste nunca explota sino que se adapta al tiempo sosegado del film.
Es una historia que se enmarca en una actualidad indeterminada, casi apocalíptica. Los días pasan con la cadencia de la verdad. Hay un delicado tratamiento de una realidad ficticia o de una fisión verídica.
El film es bastante lento pues dura más de dos horas y el argumento es muy simple.
Todo lo que rodea a las cafeterías y cafés donde se reúnen los protagonistas constituye, quizás, los mejores pasajes para narrar, lo que a priori, parece inenarrable: el acontecer de una búsqueda en silencio ahogado, apenas perceptible, si no se está muy atento. Es una historia extraña por su premisa y por su ritmo.
El director presenta el conflicto entre padres e hijos, que se traduce por una total incomunicación. No hay entendimiento.
La protagonista se pasa todo el film buscando un pasado concreto, visible o tangible en un Tokio tecnificado y donde los trenes parecen ser un refugio espiritual. Ella busca el café al que asistía un famoso compositor y esa búsqueda tiene que ver con la necesidad de reencontrarse con ese pasado del que fue apartada al ser abandonada por su madre. Aparece el problema de la pérdida de la identidad y ella es consciente de que debe ir a buscar su pasado, aunque sea en forma indirecta.
El realizador, por su parte, trata de buscar las raíces del cine, su pasado, comprenderlo y así seguir avanzando, pero sin dejar de mirar atrás.
El café que busca la protagonista se transforma para el director en el Café Lumière, es decir, navegar, bucear por toda la historia del cine para dotarlo de una identidad propia, frente a todos los que quieren contaminar el Séptimo Arte con política, filosofía, etc.
Según algunos críticos que conocen la obra de este cineasta, este film es un homenaje al director Yasujiro Oru, debido al centenario de su nacimiento y eso se nota en escenas donde parece haber rescatado planos de films de este director: “Cuentos de Tokio”, o “Buenos Días”, como también brinda gran cantidad de tomas frontales y de encuadres a pie de tatami, habituales en ese director japonés. A ese director también le gustaban temas como el desencuentro de padres e hijos, el tema del matrimonio entre las nuevas generaciones y un estilo de vida no aceptado por los familiares.
Algunos espectadores han comentado a la salida del cine que se habían aburrido, porque no hay ritmo, casi no hay diálogos, los personajes no transmiten emociones.
En fin, estimado lector, Ud. sabrá después de haber leído estas informaciones lo que debe hacer: ¿verla? o ¿no verla? Esa es la pregunta.
Film: París
Film: París
Director: Cédric Klapisch
Elenco: Juliette Binoce (Élise). Romaní Duris (Pierre), Fabrice Luchini (Roland), Albert Dupontel (Jean), Mélanie Laurent (Laetitia), Karin Virad (panadera), Pilles Lellouche (Franky), Francis Cluzet (Arquitecto), Zinedine Soualem (Mourad)
Es la historia de Pierre, antiguo bailarín del Moulin Rouge, que sufre del corazón y pasa mucho tiempo mirando París y la vida de los otros, desde la ventana, a la espera de un transplante que sabe no le dará muchas chances de vida. Se encuentra muy solo en su apartamento, con la angustia de la muerte cercana. Necesita que su hermana Élise y sus hijos vayan a vivir con él. Tiene ganas de ver a Laetitia, que vive enfrente. Pero ésta se siente atraída por dos hombres: Roland Verneuil, su profesor de Historia de París, y un estudiante de su edad. Por otro lado, Élise descubre el barrio: la panadería de la esquina con una propietaria racista, el mercado animado por una alegre banda de horticultores, Jean, Franky y Mourad. Y en ese París siempre en movimiento, el profesor Verneuil que ha aceptado presentar una emisión de televisión sobre la capital, se hace guía desde el Palais-Royal al Sacré- Coeur.
El director Klapisch, eterno enamorado de su París, declara nuevamente su amor diciendo que necesita mostrar en forma alternada, lo banal y lo monumental de su ciudad. Su cámara va de la realidad neutra de ciertas calles a los monumentos de postales como el Sacré-Coeur, la torre Eiffel, el Moulin-Rouge. También sus films anteriores se situaban en diferentes lugares de París.
No es por casualidad que uno de los personajes sea profesor de Historia de París en la Sorbonne y que tenga un hermano arquitecto que construyó la Facultad de Biología Denis-Diderot dans la ZAC de la orilla izquierda.
Esta comedia trágica, coral, muestra muchos destinos que se cruzan en un París plural, ya sea de la ribera derecha o de la izquierda del Sena. Todos los personajes, al igual que Pierre, sufren del corazón. Élise es asistente social, hizo una cruz sobre su vida amorosa; Juan se siente desolado, Roland Verneuil gusta de su estudiante y empieza una relación destinada al fracaso.
El film es melancólico a pesar de algunas escapadas humorísticas.
El cineasta retoma temas que le gustan: el espíritu de grupo, los problemas de familia y de hermandad y sobre todo París, la llave que abre las puertas del cine.
Siempre es muy hábil al filmar con fluidez los encuentros, al entremezclar, entreverar y encasillar las historias de unos y de otros, a dirigir una quincena de actores excelentes en sus actuaciones y preguntarse a través de los destinos de sus héroes sobre las dificultades de “ser “ y sobre “la felicidad”, pero lamentablemente, se queda en la superficie de las cosas, faltándole el enfrentar la tragedia de cada existencia con espiritualidad. Sólo se queda viendo las cosas, como Pierre, desde la ventana.
Director: Cédric Klapisch
Elenco: Juliette Binoce (Élise). Romaní Duris (Pierre), Fabrice Luchini (Roland), Albert Dupontel (Jean), Mélanie Laurent (Laetitia), Karin Virad (panadera), Pilles Lellouche (Franky), Francis Cluzet (Arquitecto), Zinedine Soualem (Mourad)
Es la historia de Pierre, antiguo bailarín del Moulin Rouge, que sufre del corazón y pasa mucho tiempo mirando París y la vida de los otros, desde la ventana, a la espera de un transplante que sabe no le dará muchas chances de vida. Se encuentra muy solo en su apartamento, con la angustia de la muerte cercana. Necesita que su hermana Élise y sus hijos vayan a vivir con él. Tiene ganas de ver a Laetitia, que vive enfrente. Pero ésta se siente atraída por dos hombres: Roland Verneuil, su profesor de Historia de París, y un estudiante de su edad. Por otro lado, Élise descubre el barrio: la panadería de la esquina con una propietaria racista, el mercado animado por una alegre banda de horticultores, Jean, Franky y Mourad. Y en ese París siempre en movimiento, el profesor Verneuil que ha aceptado presentar una emisión de televisión sobre la capital, se hace guía desde el Palais-Royal al Sacré- Coeur.
El director Klapisch, eterno enamorado de su París, declara nuevamente su amor diciendo que necesita mostrar en forma alternada, lo banal y lo monumental de su ciudad. Su cámara va de la realidad neutra de ciertas calles a los monumentos de postales como el Sacré-Coeur, la torre Eiffel, el Moulin-Rouge. También sus films anteriores se situaban en diferentes lugares de París.
No es por casualidad que uno de los personajes sea profesor de Historia de París en la Sorbonne y que tenga un hermano arquitecto que construyó la Facultad de Biología Denis-Diderot dans la ZAC de la orilla izquierda.
Esta comedia trágica, coral, muestra muchos destinos que se cruzan en un París plural, ya sea de la ribera derecha o de la izquierda del Sena. Todos los personajes, al igual que Pierre, sufren del corazón. Élise es asistente social, hizo una cruz sobre su vida amorosa; Juan se siente desolado, Roland Verneuil gusta de su estudiante y empieza una relación destinada al fracaso.
El film es melancólico a pesar de algunas escapadas humorísticas.
El cineasta retoma temas que le gustan: el espíritu de grupo, los problemas de familia y de hermandad y sobre todo París, la llave que abre las puertas del cine.
Siempre es muy hábil al filmar con fluidez los encuentros, al entremezclar, entreverar y encasillar las historias de unos y de otros, a dirigir una quincena de actores excelentes en sus actuaciones y preguntarse a través de los destinos de sus héroes sobre las dificultades de “ser “ y sobre “la felicidad”, pero lamentablemente, se queda en la superficie de las cosas, faltándole el enfrentar la tragedia de cada existencia con espiritualidad. Sólo se queda viendo las cosas, como Pierre, desde la ventana.
sábado, 23 de febrero de 2008
Film: El silencio antes de Bach
Film: El silencio antes de Bach
Director: Pere Portabella
Intérpretes: Alex Brendemühl (camionero), Féodor Atkine (Vendedor de pianos), Christian Brembeck (Johann Sebastián Bach), Daniel Liborio (F. Mendelssohn), Georg C. Biller (Chomaskantor), Ferrán Ruiz (hijo de Bach), Georgina Cardona (violonchelista), Franz Schuchart (guía), Jaume Melendres (librero).
Guión: Pere Portabela, Carles Santos y Xavier Alberti
El film es un viaje en torno a la música del maestro de Leipzig. El director plantea un recorrido en el que la música se convierte en algo vivo, palpitante y se plasma visualmente llevándonos hacia la belleza. Durante la hora y cuarenta y cinco minutos que dura el film se suceden cuadros donde Juan Sebastián Bach se alterna con los otros personajes que pueden o no ser reales pero que permiten que la música fluya a través de ellos.
En diferentes escenas se percibe esa música maravillosa interpretada por músicos o simplemente por amantes de ella, como por ejemplo cuando el camionero toca la armónica durante un aburrido viaje; la escena en la que un grupo de chelistas jóvenes toca esa misma pieza en el metro que va a toda velocidad a través de los túneles. En otro momento, la cámara muestra la fría estructura del órgano de la iglesia de Santo Tomás donde está enterrado Bach, o la divertida expresión del perro lazarillo que escucha a su amo ciego afinando un piano.
Estas escenas, que aparentemente no se conectan entre sí, forman un mosaico que da la sensación de haber asistido a una experiencia única.
El film es de una gran belleza y es uno de los más extraordinarios estrenados este año. El director ha logrado que el espectador salga del cine con la extraña excitación de quien pudo intuir el misterio que se oculta en las verdaderas obras de arte.
El mérito es de Bach, pero a través de Portabella, se logra llegar al mismo y emocionarse como sólo lo logra todo aquello que el paso del tiempo lo mantiene en toda su vigencia.
Con este film, el director va más allá de una simple trama clásica sino que inicia un nuevo lenguaje cinematográfico. La música de Bach es lo que da sentido al film.
Alguien escribió: “Es una experiencia “ museística” que llega directamente al espectador.
Director: Pere Portabella
Intérpretes: Alex Brendemühl (camionero), Féodor Atkine (Vendedor de pianos), Christian Brembeck (Johann Sebastián Bach), Daniel Liborio (F. Mendelssohn), Georg C. Biller (Chomaskantor), Ferrán Ruiz (hijo de Bach), Georgina Cardona (violonchelista), Franz Schuchart (guía), Jaume Melendres (librero).
Guión: Pere Portabela, Carles Santos y Xavier Alberti
El film es un viaje en torno a la música del maestro de Leipzig. El director plantea un recorrido en el que la música se convierte en algo vivo, palpitante y se plasma visualmente llevándonos hacia la belleza. Durante la hora y cuarenta y cinco minutos que dura el film se suceden cuadros donde Juan Sebastián Bach se alterna con los otros personajes que pueden o no ser reales pero que permiten que la música fluya a través de ellos.
En diferentes escenas se percibe esa música maravillosa interpretada por músicos o simplemente por amantes de ella, como por ejemplo cuando el camionero toca la armónica durante un aburrido viaje; la escena en la que un grupo de chelistas jóvenes toca esa misma pieza en el metro que va a toda velocidad a través de los túneles. En otro momento, la cámara muestra la fría estructura del órgano de la iglesia de Santo Tomás donde está enterrado Bach, o la divertida expresión del perro lazarillo que escucha a su amo ciego afinando un piano.
Estas escenas, que aparentemente no se conectan entre sí, forman un mosaico que da la sensación de haber asistido a una experiencia única.
El film es de una gran belleza y es uno de los más extraordinarios estrenados este año. El director ha logrado que el espectador salga del cine con la extraña excitación de quien pudo intuir el misterio que se oculta en las verdaderas obras de arte.
El mérito es de Bach, pero a través de Portabella, se logra llegar al mismo y emocionarse como sólo lo logra todo aquello que el paso del tiempo lo mantiene en toda su vigencia.
Con este film, el director va más allá de una simple trama clásica sino que inicia un nuevo lenguaje cinematográfico. La música de Bach es lo que da sentido al film.
Alguien escribió: “Es una experiencia “ museística” que llega directamente al espectador.
Film: La sombra del cazador
Film: La sombra del cazador
Dirección: Richard Shepard
Elenco: Richard Gere (Simon Hunt), Terrence Howard (Duck), Jesse Eisenberg (Benjamín), James Brolin (Franklis Harris), Ljubomir Kerekes (El Zorro), Kristina Krepek (Magda), Diane Kruger (Mirjana).
Este film norteamericano se realizó en 2007 y se sitúa en la época de las luchas fratricidas que se llevaron a cabo en la antigua Yugoeslavia y su desmembramiento.
Simon Hunt es un reportero que junto al cámara Duck trabajan en las tomas de guerra más peligrosas del mundo. Pero un día, en un pueblito de Bosnia, todo cambia de repente. Durante una emisión en directo para la televisión nacional, Simon desaparece entre los escombros de un derrumbe. Como consecuencia de eso, Duck es ascendido y pasa a trabajar en Estados Unidos. Cinco años después, Duck regresa a Sarajevo acompañado de Benjamín, un novato periodista, hijo de uno de los principales de la cadena televisiva. Ellos llegan para cubrir ese quinto aniversario del final de la guerra.
Simon aparece como un fantasma del pasado y convence a Duck de que sabe dónde está el criminal de guerra más buscado en Bosnia: El Zorro.
Tentados por los cinco millones de recompensa y armados de sólo unos pocos datos, Simon, Duck y Benjamín se embarcan en una oscura aventura, muy peligrosa, que les llevará a territorios hostiles donde deberán enfrentar situaciones surrealistas, pero ciertas. Al comienzo del film, una frase dice:”sólo las partes más absurdas de esta historia son verdad”.
El film es dinámico, entretenido, con un humor, por momentos muy cáustico, que sobrevuela una aventura terrible. Este drama, que subyace en toda la historia, es la motivación que encuentra Hunt en la venganza y el amor; estos sentimientos son el origen de sus actos. ¿Cómo es posible que en poco tiempo estos aventureros encuentren a ese gran criminal que no pudo ser hallado por los que se suponen deben velar por la seguridad de todos? Sólo se comprende, si pensamos que a lo mejor nadie andaba realmente tras su pista.
El equipo de producción del film no renunció a su espíritu desmitificador y arrastra a todos los organismos implicados en la supuesta misión de pacificación iniciada después de finalizada la guerra (Naciones Unidas y los cascos azules, medios de comunicación).
Richard Gere aparece como un cínico, siempre al borde del colapso físico y emocional. T. Howard es un perfecto partenaire, con rostro y actitudes humanas y comprensivas, consciente de la realidad en la que se están metiendo pero reticente a aceptar posibles consecuencias. El resto del elenco es bueno.
La narración es rápida, tramposa por momentos. Lleva al espectador por una trama sucia, sin mancharse, dando golpes fuertes, pero lentamente, con algunos momentos de humor ácido
La música es una mezcla de folclore yugoeslavo con rock’n roll, el montaje es veloz, valiente.
Es recomendable y dura 96 minutos.
Agradezco dejes tu calificación y opinión a mi trabajo.
Dirección: Richard Shepard
Elenco: Richard Gere (Simon Hunt), Terrence Howard (Duck), Jesse Eisenberg (Benjamín), James Brolin (Franklis Harris), Ljubomir Kerekes (El Zorro), Kristina Krepek (Magda), Diane Kruger (Mirjana).
Este film norteamericano se realizó en 2007 y se sitúa en la época de las luchas fratricidas que se llevaron a cabo en la antigua Yugoeslavia y su desmembramiento.
Simon Hunt es un reportero que junto al cámara Duck trabajan en las tomas de guerra más peligrosas del mundo. Pero un día, en un pueblito de Bosnia, todo cambia de repente. Durante una emisión en directo para la televisión nacional, Simon desaparece entre los escombros de un derrumbe. Como consecuencia de eso, Duck es ascendido y pasa a trabajar en Estados Unidos. Cinco años después, Duck regresa a Sarajevo acompañado de Benjamín, un novato periodista, hijo de uno de los principales de la cadena televisiva. Ellos llegan para cubrir ese quinto aniversario del final de la guerra.
Simon aparece como un fantasma del pasado y convence a Duck de que sabe dónde está el criminal de guerra más buscado en Bosnia: El Zorro.
Tentados por los cinco millones de recompensa y armados de sólo unos pocos datos, Simon, Duck y Benjamín se embarcan en una oscura aventura, muy peligrosa, que les llevará a territorios hostiles donde deberán enfrentar situaciones surrealistas, pero ciertas. Al comienzo del film, una frase dice:”sólo las partes más absurdas de esta historia son verdad”.
El film es dinámico, entretenido, con un humor, por momentos muy cáustico, que sobrevuela una aventura terrible. Este drama, que subyace en toda la historia, es la motivación que encuentra Hunt en la venganza y el amor; estos sentimientos son el origen de sus actos. ¿Cómo es posible que en poco tiempo estos aventureros encuentren a ese gran criminal que no pudo ser hallado por los que se suponen deben velar por la seguridad de todos? Sólo se comprende, si pensamos que a lo mejor nadie andaba realmente tras su pista.
El equipo de producción del film no renunció a su espíritu desmitificador y arrastra a todos los organismos implicados en la supuesta misión de pacificación iniciada después de finalizada la guerra (Naciones Unidas y los cascos azules, medios de comunicación).
Richard Gere aparece como un cínico, siempre al borde del colapso físico y emocional. T. Howard es un perfecto partenaire, con rostro y actitudes humanas y comprensivas, consciente de la realidad en la que se están metiendo pero reticente a aceptar posibles consecuencias. El resto del elenco es bueno.
La narración es rápida, tramposa por momentos. Lleva al espectador por una trama sucia, sin mancharse, dando golpes fuertes, pero lentamente, con algunos momentos de humor ácido
La música es una mezcla de folclore yugoeslavo con rock’n roll, el montaje es veloz, valiente.
Es recomendable y dura 96 minutos.
Agradezco dejes tu calificación y opinión a mi trabajo.
Film: Beaufort
Film: Beaufort
Director: Joseph Cesdar
Elenco: Oshri Cohen (Liraz), Eli çEltonyo ( Oshri), Itay Tiran (Koris), Ohad Knoller (Ziv), Itay Turgeman (Zitlawy), Arthur Faradjev (Shpitzer)
El Castillo de Beaufort situado en la cima de una montaña en el Líbano fue construido en la época de las cruzadas en el siglo XII para proteger el reino cristiano de Jerusalén.
Allí estaban las guerrillas de la Organización para la Liberación de Palestina (OLP) en territorio libanés. En 1982, Israel lo ocupó y lo mantuvo hasta su retirada en el año 2000.
El film se basa en la novela “Beaufort” de Ron Leshen que cuenta la historia de Liraz Liberti, 22 años, comandante de ese puesto fronterizo, y de sus tropas en los meses anteriores a esa retirada. Es una historia sin enemigo, sin guerra, sino de cómo viven esos soldados dentro de las paredes amuralladas y cómo deben encontrar el camino para sobrevivir hasta cumplir su misión.
Según declaraciones del director, el film es acerca de cualquier montaña capturada durante la guerra. En cómo los soldados están dispuestos a morir por ella en un minuto dado, y al siguiente, todo pierde valor.
La película muestra cómo cada soldado pasa el tiempo dentro de las paredes de esa fortaleza en la que los corredores por donde se transita son anchos como féretros y siempre se está a la espera del siguiente round de un ataque dado por un enemigo invisible.
Las vidas de esos soldados están gobernadas por el tedio, la claustrofobia, la ansiedad, hasta llegando por momentos, a sentir algún afecto por ese lugar aislado, inhóspito, deprimente, que se ha convertido en su hogar.
La inminente partida del lugar ha provocado un intenso bombardeo de Hezbola que quiere que esa evacuación largamente planeada parezca como una retirada bajo fuego. Las bajas provocan miedo y rabia, ofuscación. Los soldados se preguntan ¿por qué se apoderaron del lugar?, ¿por qué las autoridades los han mantenido allí por tanto tiempo?
Las implicaciones políticas sobre esas preguntas planean en el fondo de la situación, atormentando la acción en lugar de dominarla.
A veces, los soldados dirigen su frustración hacia sus superiores que parecen estar demorando su retorno a casa; otras veces, ellos hablan con amargura de los activistas de la paz, cuyas demostraciones parecen estar forzando ”el no irse tan pronto”.
Estas contradicciones afectan las relaciones entre los soldados, quienes cambian continuamente de opinión; de la cordialidad pasan a la cautela, a un antagonismo.
Liraz es el líder del grupo. Es un joven oficial muy cambiante. Frecuentemente, parece sentirse superado por la situación y es presa de sus emociones cometiendo algunos errores en sus juicios.
El film está impregnado de un humanismo abatido, golpeado. Se mueve lentamente, mostrando quizás un aspecto aburrido, y por momentos, esperanzado, con rutinas estresantes.
La acción militar de Israel no es mostrada ni como culpable ni como patriotera, más bien filosóficamente imparcial. Se decidió dejar en un segundo plano a Hezbola y a todo el Líbano.
La película muestra también la dicotomía de Israel en la crítica a todo lo militar, que parece ser tomado como un pasatiempo nacional, negándose a servirlo. Aun por razones de conciencia, se desaprueba con mucha fuerza. Esta aparente contradicción es la esencia de ser de un israelí. El tema subyace en el film.
El director dijo:” Queremos que nuestros soldados sean espartanos, pero ninguno de nosotros quiere vivir en Esparta.”
Veremos qué éxito tendrá el film que fue nominado al Oscar como Mejor Película Extranjera y que ha obtenido premios en varios Festivales de Cine.
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Director: Joseph Cesdar
Elenco: Oshri Cohen (Liraz), Eli çEltonyo ( Oshri), Itay Tiran (Koris), Ohad Knoller (Ziv), Itay Turgeman (Zitlawy), Arthur Faradjev (Shpitzer)
El Castillo de Beaufort situado en la cima de una montaña en el Líbano fue construido en la época de las cruzadas en el siglo XII para proteger el reino cristiano de Jerusalén.
Allí estaban las guerrillas de la Organización para la Liberación de Palestina (OLP) en territorio libanés. En 1982, Israel lo ocupó y lo mantuvo hasta su retirada en el año 2000.
El film se basa en la novela “Beaufort” de Ron Leshen que cuenta la historia de Liraz Liberti, 22 años, comandante de ese puesto fronterizo, y de sus tropas en los meses anteriores a esa retirada. Es una historia sin enemigo, sin guerra, sino de cómo viven esos soldados dentro de las paredes amuralladas y cómo deben encontrar el camino para sobrevivir hasta cumplir su misión.
Según declaraciones del director, el film es acerca de cualquier montaña capturada durante la guerra. En cómo los soldados están dispuestos a morir por ella en un minuto dado, y al siguiente, todo pierde valor.
La película muestra cómo cada soldado pasa el tiempo dentro de las paredes de esa fortaleza en la que los corredores por donde se transita son anchos como féretros y siempre se está a la espera del siguiente round de un ataque dado por un enemigo invisible.
Las vidas de esos soldados están gobernadas por el tedio, la claustrofobia, la ansiedad, hasta llegando por momentos, a sentir algún afecto por ese lugar aislado, inhóspito, deprimente, que se ha convertido en su hogar.
La inminente partida del lugar ha provocado un intenso bombardeo de Hezbola que quiere que esa evacuación largamente planeada parezca como una retirada bajo fuego. Las bajas provocan miedo y rabia, ofuscación. Los soldados se preguntan ¿por qué se apoderaron del lugar?, ¿por qué las autoridades los han mantenido allí por tanto tiempo?
Las implicaciones políticas sobre esas preguntas planean en el fondo de la situación, atormentando la acción en lugar de dominarla.
A veces, los soldados dirigen su frustración hacia sus superiores que parecen estar demorando su retorno a casa; otras veces, ellos hablan con amargura de los activistas de la paz, cuyas demostraciones parecen estar forzando ”el no irse tan pronto”.
Estas contradicciones afectan las relaciones entre los soldados, quienes cambian continuamente de opinión; de la cordialidad pasan a la cautela, a un antagonismo.
Liraz es el líder del grupo. Es un joven oficial muy cambiante. Frecuentemente, parece sentirse superado por la situación y es presa de sus emociones cometiendo algunos errores en sus juicios.
El film está impregnado de un humanismo abatido, golpeado. Se mueve lentamente, mostrando quizás un aspecto aburrido, y por momentos, esperanzado, con rutinas estresantes.
La acción militar de Israel no es mostrada ni como culpable ni como patriotera, más bien filosóficamente imparcial. Se decidió dejar en un segundo plano a Hezbola y a todo el Líbano.
La película muestra también la dicotomía de Israel en la crítica a todo lo militar, que parece ser tomado como un pasatiempo nacional, negándose a servirlo. Aun por razones de conciencia, se desaprueba con mucha fuerza. Esta aparente contradicción es la esencia de ser de un israelí. El tema subyace en el film.
El director dijo:” Queremos que nuestros soldados sean espartanos, pero ninguno de nosotros quiere vivir en Esparta.”
Veremos qué éxito tendrá el film que fue nominado al Oscar como Mejor Película Extranjera y que ha obtenido premios en varios Festivales de Cine.
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viernes, 22 de febrero de 2008
Luz silenciosa
Film: Luz silenciosa (Stellet Licht), (Silent Light)
Dirección y guión: Carlos Reygadas
Elenco: Cornelio Wall Fehr (Johan), Maria Pankratz (Marianne), Miriam Toews (Esther), Peter Wall (Padre), Elizabeth Fehr(Madre), Jacobo Klassen (Zacarías), Irma Thiessen (Sara), Alfredo Thiessen (Alfredo), Daniel Thiessen (Daniel), Autghe Loewen (Autghe) Jackob Loewen (Jackob), Elisabeth Fehr (Anita), Gerardo Thiessen (Cornelio).
El film ha participado en muchos festivales de cine, y obtenido muchos premios, además de estar nominado a Mejor Película Extranjera para el Oscar 2008. Para comprenderlo debemos conocer la historia de los menonitas, pues es dentro de esa comunidad que se desarrolla la historia.
En 1523, Ulrico Zuinglio (ex sacerdote católico) comenzó la reforma de la Iglesia Católica en Zurich, Suiza, surgiendo la corriente protestante anabautista en la que el bautizo es para los adultos que lo eligen.
En 1536, un ex sacerdote católico, Menno Simons (1496-1551) rompió con la Iglesia Católica y codifica la doctrina incorporándole un pacifismo radical. Como en esa época Europa siempre estaba en guerra, y los seguidores de Menno se oponían a ello, empezaron a ser llamados en forma despectiva, menonistas. Muchos huyeron hacia Prusia, a Rusia en la época de Catalina la Grande (1788). Desde 1683 estaban en Pensylvannia, conjuntamente con la comunidad maíz, y en Canadá son aceptados desde 1873.
Después de la Primera Guerra Mundial, el sentimiento antigermano crece en Canadá y por eso, muchos van hacia el norte de México (1922) Actualmente se considera que hay como 100.000 menonitas en ese país y muchos, en varios países latinoamericanos. Estos emigrados se establecen en comunidades agrícolas tradicionales: sin energía eléctrica, motores de combustión interna, teléfonos, medios masivos de comunicación y no tienen mucho contacto con los nativos, incluyendo un propio sistema educativo.
En México, la comunidad agrícola de la que se ocupa el film, es moderada y no se opone al desarrollo. Elige tener coches, acepta la medicina científica, habla un dialecto germánico parecido al holandés y al flamenco (plautdietsch) y se comunica en castellano con los nativos.
Johan, y su numerosa familia, viven en el norte de México. Contra la ley de Dios y del hombre, se ha enamorado de otra mujer (Esther). Su fuerte pasión genera dolor a su esposa (Marianne), a su amante y a él mismo.
Los participantes principales del film han hecho declaraciones sobre la historia. Muchos de ellos no son actores profesionales sino que pertenecen a la comunidad.
Cornelio Wall Fehr dijo: “La película habla sobre el mundo como es: un mundo traidor donde es difícil dejarse iluminar por el amor.”
Miriam Toews dijo: “ La historia está llena de verdades muy emotivas, muy crudas y reales. El director estaba completamente comprometido con ella, le tengo mucho respecto; es un verdadero artista y un iconoclasta valiente.”
Este es el tercer film del cineasta, que es abogado especializado en derecho de conflicto armado y uso de la fuerza. Los anteriores fueron: “Japón” (2002) y “La Batalla en el cielo” (2005).
Carlos Boyero de “El Mundo” dijo: “Esta película regala sensaciones intensas, hay algo muy magnético en ella”.
El film retrata un trozo de la cotidianidad de los protagonistas, compartiendo sus desventuras, sueños y angustias, pero sin juzgar.
Dirección y guión: Carlos Reygadas
Elenco: Cornelio Wall Fehr (Johan), Maria Pankratz (Marianne), Miriam Toews (Esther), Peter Wall (Padre), Elizabeth Fehr(Madre), Jacobo Klassen (Zacarías), Irma Thiessen (Sara), Alfredo Thiessen (Alfredo), Daniel Thiessen (Daniel), Autghe Loewen (Autghe) Jackob Loewen (Jackob), Elisabeth Fehr (Anita), Gerardo Thiessen (Cornelio).
El film ha participado en muchos festivales de cine, y obtenido muchos premios, además de estar nominado a Mejor Película Extranjera para el Oscar 2008. Para comprenderlo debemos conocer la historia de los menonitas, pues es dentro de esa comunidad que se desarrolla la historia.
En 1523, Ulrico Zuinglio (ex sacerdote católico) comenzó la reforma de la Iglesia Católica en Zurich, Suiza, surgiendo la corriente protestante anabautista en la que el bautizo es para los adultos que lo eligen.
En 1536, un ex sacerdote católico, Menno Simons (1496-1551) rompió con la Iglesia Católica y codifica la doctrina incorporándole un pacifismo radical. Como en esa época Europa siempre estaba en guerra, y los seguidores de Menno se oponían a ello, empezaron a ser llamados en forma despectiva, menonistas. Muchos huyeron hacia Prusia, a Rusia en la época de Catalina la Grande (1788). Desde 1683 estaban en Pensylvannia, conjuntamente con la comunidad maíz, y en Canadá son aceptados desde 1873.
Después de la Primera Guerra Mundial, el sentimiento antigermano crece en Canadá y por eso, muchos van hacia el norte de México (1922) Actualmente se considera que hay como 100.000 menonitas en ese país y muchos, en varios países latinoamericanos. Estos emigrados se establecen en comunidades agrícolas tradicionales: sin energía eléctrica, motores de combustión interna, teléfonos, medios masivos de comunicación y no tienen mucho contacto con los nativos, incluyendo un propio sistema educativo.
En México, la comunidad agrícola de la que se ocupa el film, es moderada y no se opone al desarrollo. Elige tener coches, acepta la medicina científica, habla un dialecto germánico parecido al holandés y al flamenco (plautdietsch) y se comunica en castellano con los nativos.
Johan, y su numerosa familia, viven en el norte de México. Contra la ley de Dios y del hombre, se ha enamorado de otra mujer (Esther). Su fuerte pasión genera dolor a su esposa (Marianne), a su amante y a él mismo.
Los participantes principales del film han hecho declaraciones sobre la historia. Muchos de ellos no son actores profesionales sino que pertenecen a la comunidad.
Cornelio Wall Fehr dijo: “La película habla sobre el mundo como es: un mundo traidor donde es difícil dejarse iluminar por el amor.”
Miriam Toews dijo: “ La historia está llena de verdades muy emotivas, muy crudas y reales. El director estaba completamente comprometido con ella, le tengo mucho respecto; es un verdadero artista y un iconoclasta valiente.”
Este es el tercer film del cineasta, que es abogado especializado en derecho de conflicto armado y uso de la fuerza. Los anteriores fueron: “Japón” (2002) y “La Batalla en el cielo” (2005).
Carlos Boyero de “El Mundo” dijo: “Esta película regala sensaciones intensas, hay algo muy magnético en ella”.
El film retrata un trozo de la cotidianidad de los protagonistas, compartiendo sus desventuras, sueños y angustias, pero sin juzgar.
jueves, 21 de febrero de 2008
Cuento: Aprendiz de detective
Cuento: Aprendiz de detective
Autor: William Irish
Editorial: Vicens Vives
Este cuento policial escrito por un maestro de la novela de suspenso W. Irish está contado por el protagonista Tommy.
El relato empieza cuando él tenía nueve años. Es hijo de un inspector de policía al que mucho admira y a quien quisiera parecerse cuando sea grande
En el colegio gustaba y junto con otros niños solía molestar a una compañera de clase, Millie Adams. Esta niña se sentía tan fastidiada, que optó por comer su almuerzo en el aula, sola. Un día Tommy vio que ella tenía un caramelo amarillo con palito. Como eran los preferidos del niño, hizo las paces con Millie. Desde ese momento fueron amigos y compartieron los caramelos que una persona le daba en secreto a la niña.
¿Qué sucedió con Millie?
El relato se actualiza. Tomy tiene doce años. Otra compañera, Jeanie Myers, aparece en 7 º año y otra vez, comienzan a compartir caramelos…
Si leemos el libro nos enteraremos qué sucede con estos niños.
Muy bien relatada la intriga, lleva cada vez más a un suspenso que el lector, no importa la edad que tenga, se va a sentir atrapado. Es muy recomendable, desde el punto de vista didáctico, porque está acompañado de actividades que ayudan a aprender a interpretar y pensar sobre lo leído. Esos ejercicios pueden ser escritos u orales, pero de cualquier forma que sean usados, son de gran valor educativo.
Las ilustraciones de Raúl Pellejero acompañan muy bien al relato.
Autor: William Irish
Editorial: Vicens Vives
Este cuento policial escrito por un maestro de la novela de suspenso W. Irish está contado por el protagonista Tommy.
El relato empieza cuando él tenía nueve años. Es hijo de un inspector de policía al que mucho admira y a quien quisiera parecerse cuando sea grande
En el colegio gustaba y junto con otros niños solía molestar a una compañera de clase, Millie Adams. Esta niña se sentía tan fastidiada, que optó por comer su almuerzo en el aula, sola. Un día Tommy vio que ella tenía un caramelo amarillo con palito. Como eran los preferidos del niño, hizo las paces con Millie. Desde ese momento fueron amigos y compartieron los caramelos que una persona le daba en secreto a la niña.
¿Qué sucedió con Millie?
El relato se actualiza. Tomy tiene doce años. Otra compañera, Jeanie Myers, aparece en 7 º año y otra vez, comienzan a compartir caramelos…
Si leemos el libro nos enteraremos qué sucede con estos niños.
Muy bien relatada la intriga, lleva cada vez más a un suspenso que el lector, no importa la edad que tenga, se va a sentir atrapado. Es muy recomendable, desde el punto de vista didáctico, porque está acompañado de actividades que ayudan a aprender a interpretar y pensar sobre lo leído. Esos ejercicios pueden ser escritos u orales, pero de cualquier forma que sean usados, son de gran valor educativo.
Las ilustraciones de Raúl Pellejero acompañan muy bien al relato.
El poder de los antidepresivos. Su cuestionamiento.
El poder de los antidepresivos. Su cuestionamiento
A continuación, voy a resumir un artículo publicado hace unos días en el diario Le Figaro, de Francia.
Desde hace un tiempo se han estado haciendo estudios en U.S.A. sobre la acción que realizan los psicotrópicos y parecería que las publicaciones científicas exageran su acción.
Por supuesto, que ha sorprendido el resultado de esas investigaciones realizadas por la F.D.A. (Food and Drug Administration), poderosa agencia americana que controla la alimentación y el medicamento.
El estudio se publicó en el New England Journal of Medicine y muestra que las publicaciones de los laboratorios sobre la eficacia de esos medicamentos están “adornadas” y los médicos y los pacientes creen en ellas.
El Dr Erick Turner, psiquiatra farmacólogo, y su equipo de la Universidad de Oregón, revisaron 74 pruebas clínicas que incluían 12564 pacientes. Esos estudios sobre 12 antidepresivos muy recetados entre 1981 y 2004 se presentaron a la F.D.A., y revelaron que el 94% de esos medicamentos tenían efectos positivos para los laboratorios, y sólo la mitad tenían esa efectividad para la F.D.A. El resto no provocaba el efecto esperado.
Además se comprobó que si todos los estudios positivos, menos uno, fueron publicados, de los negativos, 33 en 36 realizados a 5212 pacientes, permanecieron “guardados” en cajones de la F.D.A., o peor aún, fueron “maquillados” para darles un aspecto positivo,
en contra del veredicto de la F.D.A.
El Dr. Turner agrega que “las publicaciones selectivas pueden conducir a los médicos y a los pacientes a creer que esos medicamentos son más eficaces de lo que en realidad lo son y los médicos los recetan confiando en ellas.
Se ignora quién o quiénes cometieron los errores, pero con lógica, se incrimina al aspecto comercial de las firmas involucradas en las ventas, que en Francia y en Bélgica se duplicaron en 10 años, dijo la psiquiatra belga Mónica Debauche, durante un debate sobre la salud mental realizado por la revista “Prescrire”.
Ella considera que las grandes campañas sobre la salud que se llevan a cabo apoyadas por los laboratorios, incitan al diagnóstico, incluso al autodiagnóstico de “depresión”, y a que las personas depresivas crean que sus sufrimientos son curables con pastillas.
Además se dice que como se da gran importancia a los síntomas mejorados, no se hacen muchas pruebas clínicas para seguir investigando y como éstas son caras, generalmente se las mandan a hacer en países donde no son muy rigurosos en la metodología de investigación, como en las ex repúblicas de la U.R.S.S., India o China en las que se utiliza un número pequeño de pacientes, investigadores no clínicos son los que evalúan y las escalas que utilizan no tienen en cuenta las particularidades culturales y sociales.
Tanto el Dr. Turner como la Dra. Debauche concluyen en que sólo se publican los trabajos positivos. La investigadora canadiense Barbara Mintzes duda de ciertos trabajos que apuntan a considerar a la depresión como una patología crónica que comienza a una edad cada vez más joven. Según ella, en U.S.A. la receta de antidepresivos en adolescentes y niños se multiplicó de 4 a 10 veces entre 1992 y 2002 y en el Reino Unido entre 1992 y 2001 se multiplicó por 10.
Después de este informe, creo que vamos a pensar muy bien antes de decidirnos a tomar antidepresivos.
A continuación, voy a resumir un artículo publicado hace unos días en el diario Le Figaro, de Francia.
Desde hace un tiempo se han estado haciendo estudios en U.S.A. sobre la acción que realizan los psicotrópicos y parecería que las publicaciones científicas exageran su acción.
Por supuesto, que ha sorprendido el resultado de esas investigaciones realizadas por la F.D.A. (Food and Drug Administration), poderosa agencia americana que controla la alimentación y el medicamento.
El estudio se publicó en el New England Journal of Medicine y muestra que las publicaciones de los laboratorios sobre la eficacia de esos medicamentos están “adornadas” y los médicos y los pacientes creen en ellas.
El Dr Erick Turner, psiquiatra farmacólogo, y su equipo de la Universidad de Oregón, revisaron 74 pruebas clínicas que incluían 12564 pacientes. Esos estudios sobre 12 antidepresivos muy recetados entre 1981 y 2004 se presentaron a la F.D.A., y revelaron que el 94% de esos medicamentos tenían efectos positivos para los laboratorios, y sólo la mitad tenían esa efectividad para la F.D.A. El resto no provocaba el efecto esperado.
Además se comprobó que si todos los estudios positivos, menos uno, fueron publicados, de los negativos, 33 en 36 realizados a 5212 pacientes, permanecieron “guardados” en cajones de la F.D.A., o peor aún, fueron “maquillados” para darles un aspecto positivo,
en contra del veredicto de la F.D.A.
El Dr. Turner agrega que “las publicaciones selectivas pueden conducir a los médicos y a los pacientes a creer que esos medicamentos son más eficaces de lo que en realidad lo son y los médicos los recetan confiando en ellas.
Se ignora quién o quiénes cometieron los errores, pero con lógica, se incrimina al aspecto comercial de las firmas involucradas en las ventas, que en Francia y en Bélgica se duplicaron en 10 años, dijo la psiquiatra belga Mónica Debauche, durante un debate sobre la salud mental realizado por la revista “Prescrire”.
Ella considera que las grandes campañas sobre la salud que se llevan a cabo apoyadas por los laboratorios, incitan al diagnóstico, incluso al autodiagnóstico de “depresión”, y a que las personas depresivas crean que sus sufrimientos son curables con pastillas.
Además se dice que como se da gran importancia a los síntomas mejorados, no se hacen muchas pruebas clínicas para seguir investigando y como éstas son caras, generalmente se las mandan a hacer en países donde no son muy rigurosos en la metodología de investigación, como en las ex repúblicas de la U.R.S.S., India o China en las que se utiliza un número pequeño de pacientes, investigadores no clínicos son los que evalúan y las escalas que utilizan no tienen en cuenta las particularidades culturales y sociales.
Tanto el Dr. Turner como la Dra. Debauche concluyen en que sólo se publican los trabajos positivos. La investigadora canadiense Barbara Mintzes duda de ciertos trabajos que apuntan a considerar a la depresión como una patología crónica que comienza a una edad cada vez más joven. Según ella, en U.S.A. la receta de antidepresivos en adolescentes y niños se multiplicó de 4 a 10 veces entre 1992 y 2002 y en el Reino Unido entre 1992 y 2001 se multiplicó por 10.
Después de este informe, creo que vamos a pensar muy bien antes de decidirnos a tomar antidepresivos.
Libro: El Evangelio de Acuario de Jesús el Cristo
Libro: El Evangelio de Acuario de Jesús el Cristo
Autor: Levi
Editorial Solar
El título del original en inglés es “The Aquarian Gospel of Jesús the Christy” y fue transcripto de los Archivos Afásicos por Levi, un estudiante de estos temas que pasó cuarenta años en su preparación. Él sabía que su trabajo podía ser conocido mundialmente al comienzo de la Era de Acuario, interpretando de esa manera lo que
Jesús dijo a sus discípulos: “Tengo muchas cosas que comunicaros, pero no podéis admitirlas ahora. No obstante, cuando él, el Espíritu de la Verdad venga, os guiará a toda la verdad”, Juan, 16, 12 -13.
Levi fue conocido y respetado por su sabiduría y su humanismo. Se lo valoró como un pescador independiente, un profeta y predicador de la justicia.
Este libro es un archivo completo de las palabras, viajes, estudios y obras de Jesús.
Abarca su vida desde el nacimiento en Belén hasta la ascensión en el monte de los Olivos.Es muy interesante y de gran valor conocer los años pasados en los monasterios tibetanos, en Egipto, en los misteriosos templos de India, Persia y Grecia donde estuvo en contacto con monjes, sabios y profetas, detalles de la vida de Jesús que no aparecen en los Evangelios del Nuevo Testamento
Autor: Levi
Editorial Solar
El título del original en inglés es “The Aquarian Gospel of Jesús the Christy” y fue transcripto de los Archivos Afásicos por Levi, un estudiante de estos temas que pasó cuarenta años en su preparación. Él sabía que su trabajo podía ser conocido mundialmente al comienzo de la Era de Acuario, interpretando de esa manera lo que
Jesús dijo a sus discípulos: “Tengo muchas cosas que comunicaros, pero no podéis admitirlas ahora. No obstante, cuando él, el Espíritu de la Verdad venga, os guiará a toda la verdad”, Juan, 16, 12 -13.
Levi fue conocido y respetado por su sabiduría y su humanismo. Se lo valoró como un pescador independiente, un profeta y predicador de la justicia.
Este libro es un archivo completo de las palabras, viajes, estudios y obras de Jesús.
Abarca su vida desde el nacimiento en Belén hasta la ascensión en el monte de los Olivos.Es muy interesante y de gran valor conocer los años pasados en los monasterios tibetanos, en Egipto, en los misteriosos templos de India, Persia y Grecia donde estuvo en contacto con monjes, sabios y profetas, detalles de la vida de Jesús que no aparecen en los Evangelios del Nuevo Testamento
Film: Juno
Film: Juno
Director: Jason Ritman
Con: Ellen Page, Michael Cera, Jason Baterman, Jennifer Garner, Olivia Thirlby, J.K.Simmons, Allison Janney.
El film trata sobre Juno, adolescente de 16 años, que en su primera relación sexual con Bleeker queda embarazada.
Como consecuencia, Juno decide, con ayuda de su amiga Leah y apoyada por su padre, y la esposa de éste, encontrar los padres perfectos para su hijo. Es así que conocen a una opulenta pareja suburbana, Mark y Vanessa, que anhelan la adopción de un niño.
El film, protagonizado por Ellen Page, nominada al Oscar por su increíble actuación, es un verdadero drama, aterrador, para una joven pareja que recién se inicia a la vida sexual y que tenga una experiencia de este tipo, sobre todo si tenemos en cuenta que todavía es mal mirada la adolescente embarazada, soltera.
Si bien la película fue catalogada como una comedia debido a las expresiones alocadas de Juno, el film toca muchos temas dramáticos y las situaciones que se plantean pueden mostrar la crueldad humana, que lo primero que piensa es en “terminar definitivamente” con el problema.
La correcta decisión de los padres y, sobre todo, de la adolescente es esencial pues, debemos pensar que son chicos que tienen sus problemas como los tenemos los adultos.
Este es uno de los mensajes del film. Al final, hay una escena muy tierna en la que los jóvenes reconocen que han dado un paso en falso, pero que se aprende del error y que se puede comenzar nuevamente.
Creo que ésta es la mejor enseñanza que nos quiere transmitir el director a través del libreto de Diablo Coty.
El film tiene varias nominaciones al Oscar: Mejor film, Mejor Director, Mejor Actriz protagónica, Mejor Guión Original.
Director: Jason Ritman
Con: Ellen Page, Michael Cera, Jason Baterman, Jennifer Garner, Olivia Thirlby, J.K.Simmons, Allison Janney.
El film trata sobre Juno, adolescente de 16 años, que en su primera relación sexual con Bleeker queda embarazada.
Como consecuencia, Juno decide, con ayuda de su amiga Leah y apoyada por su padre, y la esposa de éste, encontrar los padres perfectos para su hijo. Es así que conocen a una opulenta pareja suburbana, Mark y Vanessa, que anhelan la adopción de un niño.
El film, protagonizado por Ellen Page, nominada al Oscar por su increíble actuación, es un verdadero drama, aterrador, para una joven pareja que recién se inicia a la vida sexual y que tenga una experiencia de este tipo, sobre todo si tenemos en cuenta que todavía es mal mirada la adolescente embarazada, soltera.
Si bien la película fue catalogada como una comedia debido a las expresiones alocadas de Juno, el film toca muchos temas dramáticos y las situaciones que se plantean pueden mostrar la crueldad humana, que lo primero que piensa es en “terminar definitivamente” con el problema.
La correcta decisión de los padres y, sobre todo, de la adolescente es esencial pues, debemos pensar que son chicos que tienen sus problemas como los tenemos los adultos.
Este es uno de los mensajes del film. Al final, hay una escena muy tierna en la que los jóvenes reconocen que han dado un paso en falso, pero que se aprende del error y que se puede comenzar nuevamente.
Creo que ésta es la mejor enseñanza que nos quiere transmitir el director a través del libreto de Diablo Coty.
El film tiene varias nominaciones al Oscar: Mejor film, Mejor Director, Mejor Actriz protagónica, Mejor Guión Original.
Film: Benjamin Gates y el libro de los secretos
Film: Benjamín Gates y el libro de los secretos.
Director: Jon Turteltaub
Elenco: Nicolas Cage, Diane Kruger, Harvey Keitel, Helen Mirren, Jon Voght.
Benjamín encuentra la hoja que faltaba en el diario íntimo del asesino de Abraham Lincoln que cuestiona a su tatarabuelo.
De golpe, Ben investiga y se lanza sobre una pista complicada que va a llevarlo desde Washington a Londres, pasando por París. Acompañado de la bella Abigail, va a atravesar miles de peligros que lo llevarán hasta la suntuosa y legendaria ciudad de oro…
El film es la continuación de “Benjamín Gates y el tesoro de los templarios”, realizado en 2004.
Esta odisea retoma los mismos personajes y los mismos actores.
Durante el viaje que hacen, se visita la oficina del Presidente de los Estados Unidos, la impresionante biblioteca del Congreso, antes de subir al monte Rushmore.
La historia está jalonada de trampas inesperadas y de sobresaltos en cadena, una cautivante cacería del tesoro, muchas veces, urbano. El film tiene suficientes ingredientes como para tener éxito de públic
Director: Jon Turteltaub
Elenco: Nicolas Cage, Diane Kruger, Harvey Keitel, Helen Mirren, Jon Voght.
Benjamín encuentra la hoja que faltaba en el diario íntimo del asesino de Abraham Lincoln que cuestiona a su tatarabuelo.
De golpe, Ben investiga y se lanza sobre una pista complicada que va a llevarlo desde Washington a Londres, pasando por París. Acompañado de la bella Abigail, va a atravesar miles de peligros que lo llevarán hasta la suntuosa y legendaria ciudad de oro…
El film es la continuación de “Benjamín Gates y el tesoro de los templarios”, realizado en 2004.
Esta odisea retoma los mismos personajes y los mismos actores.
Durante el viaje que hacen, se visita la oficina del Presidente de los Estados Unidos, la impresionante biblioteca del Congreso, antes de subir al monte Rushmore.
La historia está jalonada de trampas inesperadas y de sobresaltos en cadena, una cautivante cacería del tesoro, muchas veces, urbano. El film tiene suficientes ingredientes como para tener éxito de públic
Film: Lazos de sangre
Film: Lazos de sangre
Director: Jacques Maillot
Con: Guillaume Canet ( François), Françoit Cluzet (Gabriel), Clotilde Hasme, Marie Denarnaud
La historia se sitúa a finales de los años 70. El hampa reina en la ciudad de Lyon, Francia.
La policía está cansada, extenuada.
François, Inspector en la Brigada de Represión del Bandolerismo, se entera de la salida de prisión de su hermano Gabriel que acaba de purgar una pena de 10 años por homicidio.
Los dos se reencuentran con el deseo de hacer tabla rasa del pasado y recomenzar desde bases nuevas.
Ayudado por François, Gabriel trata de arreglarse, de retomar el camino recto, pero… ¿por cuánto tiempo? ¿Qué más tienen ellos en común fuera de los lazos sanguíneos, de ese amor fraterno que les une para el bien o para el mal?
El cineasta Maillot, quería realizar un film sobre la hermandad, y en el año 2000, le llegó por azar, la historia de “Dos hermanos, el policía y el truhán”, relato autobiográfico de Bruno y de Michel Papel.
En ese libro, Maillot encontró todos los ingredientes necesarios como para poder escribir un policial denso, fuerte, profundo, con personajes complejos, humanos.
Él se preocupa en develar las zonas sombrías, los aspectos tiernos y emotivos de esos dos hermanos, tan cercanos afectivamente y tan alejados en su visión de la vida.
El director pasó largas horas entrevistando a los verdaderos hermanos Papet y para interpretarlos convocó a dos formidables actores franceses: Guillaume Canet y François Cluzet.
Vale la pena verla cuando la den en algún cine de tu ciudad.
Director: Jacques Maillot
Con: Guillaume Canet ( François), Françoit Cluzet (Gabriel), Clotilde Hasme, Marie Denarnaud
La historia se sitúa a finales de los años 70. El hampa reina en la ciudad de Lyon, Francia.
La policía está cansada, extenuada.
François, Inspector en la Brigada de Represión del Bandolerismo, se entera de la salida de prisión de su hermano Gabriel que acaba de purgar una pena de 10 años por homicidio.
Los dos se reencuentran con el deseo de hacer tabla rasa del pasado y recomenzar desde bases nuevas.
Ayudado por François, Gabriel trata de arreglarse, de retomar el camino recto, pero… ¿por cuánto tiempo? ¿Qué más tienen ellos en común fuera de los lazos sanguíneos, de ese amor fraterno que les une para el bien o para el mal?
El cineasta Maillot, quería realizar un film sobre la hermandad, y en el año 2000, le llegó por azar, la historia de “Dos hermanos, el policía y el truhán”, relato autobiográfico de Bruno y de Michel Papel.
En ese libro, Maillot encontró todos los ingredientes necesarios como para poder escribir un policial denso, fuerte, profundo, con personajes complejos, humanos.
Él se preocupa en develar las zonas sombrías, los aspectos tiernos y emotivos de esos dos hermanos, tan cercanos afectivamente y tan alejados en su visión de la vida.
El director pasó largas horas entrevistando a los verdaderos hermanos Papet y para interpretarlos convocó a dos formidables actores franceses: Guillaume Canet y François Cluzet.
Vale la pena verla cuando la den en algún cine de tu ciudad.
martes, 19 de febrero de 2008
Habitación sin Salida
Film: Habitación sin salida
Director: Nimród Antal
Elenco: Luke Wilson (David Fox), Kate Beckinsale (Amy Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
El director norteamericano Antal ha sido reconocido en varios festivales de Cine Internacionales por su film “Kontroll”.
En este thriller de terror, una pareja que está por separarse (David y Amy) viajan por una carretera de dos carriles en una noche muy oscura. El coche se avería y el desvío que deben realizar los lleva por una carretera rural hasta llegar a un sórdido motel dirigido por un aparente e inofensivo propietario. Llegan a una habitación sucia y raída. La pareja sigue discutiendo todo el tiempo. Encuentran unos macabros films caseros que parecen muy reales. Cuando se dan cuenta que los videos sangrientos fueron filmados en esa habitación, ambos concluyen que ellos serán las próximas víctimas de los sádicos cineastas y que si no dejan de lado sus diferencias y trabajan juntos, no podrán escapar.
Desde los títulos, el film hace recordar otros films, tales como “Psicosis” de Alfred Hitchcock. También la historia tiene elementos comunes a otras películas: pareja de clase media americana que tiene problemas y se va a meter en otros peores. El matrimonio está dolorido por la desaparición de su hijo y esa es la razón por la que se están separando.
Esta nueva situación creada en esa habitación los vuelve a unir.
La atmósfera creada está muy bien lograda al igual que la escenografía que es de gran realismo.
Desafortunadamente, el desenlace y el final no son buenos, pues son predecibles, la actuación no convence aunque los actores son buenos y por momentos el film se hace muy largo aunque sólo dura 85 minutos.
Director: Nimród Antal
Elenco: Luke Wilson (David Fox), Kate Beckinsale (Amy Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
El director norteamericano Antal ha sido reconocido en varios festivales de Cine Internacionales por su film “Kontroll”.
En este thriller de terror, una pareja que está por separarse (David y Amy) viajan por una carretera de dos carriles en una noche muy oscura. El coche se avería y el desvío que deben realizar los lleva por una carretera rural hasta llegar a un sórdido motel dirigido por un aparente e inofensivo propietario. Llegan a una habitación sucia y raída. La pareja sigue discutiendo todo el tiempo. Encuentran unos macabros films caseros que parecen muy reales. Cuando se dan cuenta que los videos sangrientos fueron filmados en esa habitación, ambos concluyen que ellos serán las próximas víctimas de los sádicos cineastas y que si no dejan de lado sus diferencias y trabajan juntos, no podrán escapar.
Desde los títulos, el film hace recordar otros films, tales como “Psicosis” de Alfred Hitchcock. También la historia tiene elementos comunes a otras películas: pareja de clase media americana que tiene problemas y se va a meter en otros peores. El matrimonio está dolorido por la desaparición de su hijo y esa es la razón por la que se están separando.
Esta nueva situación creada en esa habitación los vuelve a unir.
La atmósfera creada está muy bien lograda al igual que la escenografía que es de gran realismo.
Desafortunadamente, el desenlace y el final no son buenos, pues son predecibles, la actuación no convence aunque los actores son buenos y por momentos el film se hace muy largo aunque sólo dura 85 minutos.
Film: Plaga Final
Film: Plaga final
Director: Régis Wargnier
Guión: Julien Rappeneau, Ariane Fert, Harriet Marin, Lawrence Shore, Régis Wargnier, basado en la novela de Fred Vargas.
Elenco: José Garcia (Jean-Baptiste Adamsbeerg), Marie Gillain (Marie), Lucas Belvaux (Danglard), Olivier Gourmet (Joss Le Guern), Nicolas Cazalé (Damas), Linh Dan Pham (Camille), Michel Serrault (Hervé Decambrais).
Al comisario Jean-Baptiste Adamsberg no le gusta la primavera. Desconfía de todos esos signos que anuncian el retorno de los días hermosos… Y Adamsberg tiene un motivo, su prometida Camilla se ha ido cuando más la necesitaba: alguna cosa acaba de caer sobre la capital, un enigma portador de maldición que podría convertirse en desgracia si no se toma una decisión firme…Extrañas señales se extienden a las puertas de los edificios de París, y palabras inquietante, misteriosas, aparecen en lugares públicos. Y luego llega lo que Adamsberg tenía: una primera muerte, el cuerpo ennegrecido, la cara descompuesta por un gesto de terror, los signos de la peste…Y es entonces cuando se anuncia el enigma, el regreso de la terrible plaga, pero parece que alguien controla la enfermedad y la lleva donde quiere.
París ha sido filmado con una mirada, un toque, una luz y un apego rara vez visto de esta manera en el cine.
A pesar de las adaptaciones necesarias y de las infidelidades felices, el film ha sabido mantener el encanto y la fuerza de la novela.
Este thriller está bien hecho, con una atmósfera problemática y melancólica, con resurgimientos sorprendentes.
Las buenas interpretaciones hacen llevadero el film que dura 116 minutos.
Director: Régis Wargnier
Guión: Julien Rappeneau, Ariane Fert, Harriet Marin, Lawrence Shore, Régis Wargnier, basado en la novela de Fred Vargas.
Elenco: José Garcia (Jean-Baptiste Adamsbeerg), Marie Gillain (Marie), Lucas Belvaux (Danglard), Olivier Gourmet (Joss Le Guern), Nicolas Cazalé (Damas), Linh Dan Pham (Camille), Michel Serrault (Hervé Decambrais).
Al comisario Jean-Baptiste Adamsberg no le gusta la primavera. Desconfía de todos esos signos que anuncian el retorno de los días hermosos… Y Adamsberg tiene un motivo, su prometida Camilla se ha ido cuando más la necesitaba: alguna cosa acaba de caer sobre la capital, un enigma portador de maldición que podría convertirse en desgracia si no se toma una decisión firme…Extrañas señales se extienden a las puertas de los edificios de París, y palabras inquietante, misteriosas, aparecen en lugares públicos. Y luego llega lo que Adamsberg tenía: una primera muerte, el cuerpo ennegrecido, la cara descompuesta por un gesto de terror, los signos de la peste…Y es entonces cuando se anuncia el enigma, el regreso de la terrible plaga, pero parece que alguien controla la enfermedad y la lleva donde quiere.
París ha sido filmado con una mirada, un toque, una luz y un apego rara vez visto de esta manera en el cine.
A pesar de las adaptaciones necesarias y de las infidelidades felices, el film ha sabido mantener el encanto y la fuerza de la novela.
Este thriller está bien hecho, con una atmósfera problemática y melancólica, con resurgimientos sorprendentes.
Las buenas interpretaciones hacen llevadero el film que dura 116 minutos.
Film: Bucarest
Film: Bucarest
Dirección y guión: Albert Solé
Es un documental que se estrenó el 15 de febrero de 2008 en España. Narra la búsqueda personal que hace el realizador, un periodista nacido en el exilio en 1962, por recuperar sus raíces enmarcadas entre un doble exilio. Su padre, el político español Jordi Solé Tura que acabaría convirtiéndose en figura clave durante la Transición Española, fue obligado a exiliarse por su militancia antifranquista a finales de los años 50. Ahora, tras una vida repleta de experiencias políticas y personales apasionantes, Jordi ha iniciado un nuevo exilio interior, esta vez sin posibilidad de retorno: lucha contra el Alzheimer. Su memoria se pierde día a día.
Este documental pretende recordar personajes históricos, episodios contra el franquismo y la Guerra Fría. Para el cineasta, son los recuerdos de cuando era niño y trata de rearmar la memoria familiar a través de su propia memoria.
Dirección y guión: Albert Solé
Es un documental que se estrenó el 15 de febrero de 2008 en España. Narra la búsqueda personal que hace el realizador, un periodista nacido en el exilio en 1962, por recuperar sus raíces enmarcadas entre un doble exilio. Su padre, el político español Jordi Solé Tura que acabaría convirtiéndose en figura clave durante la Transición Española, fue obligado a exiliarse por su militancia antifranquista a finales de los años 50. Ahora, tras una vida repleta de experiencias políticas y personales apasionantes, Jordi ha iniciado un nuevo exilio interior, esta vez sin posibilidad de retorno: lucha contra el Alzheimer. Su memoria se pierde día a día.
Este documental pretende recordar personajes históricos, episodios contra el franquismo y la Guerra Fría. Para el cineasta, son los recuerdos de cuando era niño y trata de rearmar la memoria familiar a través de su propia memoria.
Film: Clandestinos
Film: Clandestinos
Director: Antonio Hens
Guión: GabrielOlivares y Antonio Hens
Elenco: Israel Rodríguez (Sabih), Mehroz Arif (Driss), Hugo Catalán (Joel), Inma Cuevas (Rebeca), Pepa Aniorte (Marta), Juan Luis Galiardo ( Germásn), Luis Hostalot (Iñaki), Ana Rayo (Edurne), Antonio Dechent (Fermín), Pablo Puyol (Lucas)
Xabi, joven delincuente gay, ha pasado casi toda su vida en centros de acogida. En una de sus escapadas conoció a Iñaki, que forma parte de la izquierda abertzale vasca. Él le ayuda a forjarse una identidad y se convierte en su mentor, maestro inspirador ideológico. En uno de sus acercamientos a la violencia callejera, Xabi es detenido por arrojar un cóctel molotov contra un ertzaina y es recluido en un centro de menores. Xabi junto a su colega Joel, un joven mexicano con ganas de comerse el mundo, y Driss, un chico marroquí con los 18 años recién cumplidos y en trámites de expulsión, consiguen escaparse del centro y viajar a Madrid. Xabi quiere encontrar a Iñaki y entrar a formar parte de la organización terrorista ETA. Pero Iñaki no da señales de vida. Sin darse por vencido, decide con la ayuda de sus colegas, perpetrar un atentado en el centro de la capital con el que demostrar a Iñaki y a la organización que está preparado para integrar la banda. Pero Xabi, bajo la máscara del fanatismo ideológico, esconde un objetivo incompatible con una organización terrorista.
El film trata temas de actualidad: la inmigración, la homosexualidad y el terrorismo y supongo que lo verán todos aquellos que gusten de estos temas dramáticos.
Para mí es una película violenta, aunque hay quienes la consideran inocua y sin consecuencias.
Estimado lector, o lectora, ¿me harás conocer tu opinión a través de un comentario sobre mi trabajo? Gracias.
Director: Antonio Hens
Guión: GabrielOlivares y Antonio Hens
Elenco: Israel Rodríguez (Sabih), Mehroz Arif (Driss), Hugo Catalán (Joel), Inma Cuevas (Rebeca), Pepa Aniorte (Marta), Juan Luis Galiardo ( Germásn), Luis Hostalot (Iñaki), Ana Rayo (Edurne), Antonio Dechent (Fermín), Pablo Puyol (Lucas)
Xabi, joven delincuente gay, ha pasado casi toda su vida en centros de acogida. En una de sus escapadas conoció a Iñaki, que forma parte de la izquierda abertzale vasca. Él le ayuda a forjarse una identidad y se convierte en su mentor, maestro inspirador ideológico. En uno de sus acercamientos a la violencia callejera, Xabi es detenido por arrojar un cóctel molotov contra un ertzaina y es recluido en un centro de menores. Xabi junto a su colega Joel, un joven mexicano con ganas de comerse el mundo, y Driss, un chico marroquí con los 18 años recién cumplidos y en trámites de expulsión, consiguen escaparse del centro y viajar a Madrid. Xabi quiere encontrar a Iñaki y entrar a formar parte de la organización terrorista ETA. Pero Iñaki no da señales de vida. Sin darse por vencido, decide con la ayuda de sus colegas, perpetrar un atentado en el centro de la capital con el que demostrar a Iñaki y a la organización que está preparado para integrar la banda. Pero Xabi, bajo la máscara del fanatismo ideológico, esconde un objetivo incompatible con una organización terrorista.
El film trata temas de actualidad: la inmigración, la homosexualidad y el terrorismo y supongo que lo verán todos aquellos que gusten de estos temas dramáticos.
Para mí es una película violenta, aunque hay quienes la consideran inocua y sin consecuencias.
Estimado lector, o lectora, ¿me harás conocer tu opinión a través de un comentario sobre mi trabajo? Gracias.
La Pequeña Tortuga y la Canción del Mar
Libro: La Pequeña Tortuga y la Canción del Mar
Autor: Sheridan Caín
Ilustrado por Norma Burgin
Editorial Zendrera Zariquiey
“Debajo de la arena, la Pequeña Tortuga estaba acurrucada y quieta dentro de su huevo. Podía oír, por encima de ella, el susurro del mar.”
Así comienza esta historia tierna, dulce, muy adecuada para que sea leída a los niños más pequeños, mientras los deleitan mostrándoles las ilustraciones, bellísimas, basadas en pinturas realizadas con colores muy suaves, delicados.
Los niños más grandes, que ya leen solos, van a sentirse muy complacidos con esta hermosa fantasía. Quizás busquen más información sobre la vida de estos reptiles, y a lo mejor, muchos de ellos deseen tener como mascota.
Autor: Sheridan Caín
Ilustrado por Norma Burgin
Editorial Zendrera Zariquiey
“Debajo de la arena, la Pequeña Tortuga estaba acurrucada y quieta dentro de su huevo. Podía oír, por encima de ella, el susurro del mar.”
Así comienza esta historia tierna, dulce, muy adecuada para que sea leída a los niños más pequeños, mientras los deleitan mostrándoles las ilustraciones, bellísimas, basadas en pinturas realizadas con colores muy suaves, delicados.
Los niños más grandes, que ya leen solos, van a sentirse muy complacidos con esta hermosa fantasía. Quizás busquen más información sobre la vida de estos reptiles, y a lo mejor, muchos de ellos deseen tener como mascota.
Film: Tropa de élite
Film: Tropa de élite
Director: José Padilha
Guión:José Padilla, Braulio Mantovani, Rodrigo Pimentel
Harvey Weinstein dijo: “Es una de las películas más honestas y provocadoras que he visto en mucho tiempo y es importante que sea vista por audiencias de todo el mundo y que obtenga el reconocimiento de la gente”.
Es un film ambientado en Río de Janeiro en 1982 presentando un íntimo retrato de la vida de dos amigos André Matías y Neto que forman parte de un batallón de operaciones especiales (BOPE), creado con el fin de luchar contra el narcotráfico en las favelas, independientemente de la policía local.
A través de los ojos de Batista, la historia muestra el comienzo de su carrera en la fuerza policial, pasando por su duro entrenamiento y concluyendo en un tremendo relato de la violencia y la corrupción en las zonas más pobres de la ciudad.
El film se ha convertido en un escándalo en Brasil, provocando debates sobre las causas de la violencia en las grandes ciudades y del tráfico de drogas.
Al principio, el film fue concebido como un documental pero no se siguió con la idea porque la policía no quería ser entrevistada.
Es el primer film de Brasil que trata este tema. La idea del director era mostrar lo que significa ser policía en Río de Janeiro y cómo trabajan en las favelas y así se puede entender las razones por qué las fuerzas policíacas son víctimas del sistema, los salarios son bajos y no son compensados por el peligro que enfrentan en su trabajo. Para el cineasta, la película critica a la sociedad y a la política del Brasil, la hipocresía, porque si alguien compra drogas, el estado no puede castigarlo, pero un niño pobre que vende droga va a la cárcel.
El film fue el más visto en el Festival de Berlín de 2008
Director: José Padilha
Guión:José Padilla, Braulio Mantovani, Rodrigo Pimentel
Harvey Weinstein dijo: “Es una de las películas más honestas y provocadoras que he visto en mucho tiempo y es importante que sea vista por audiencias de todo el mundo y que obtenga el reconocimiento de la gente”.
Es un film ambientado en Río de Janeiro en 1982 presentando un íntimo retrato de la vida de dos amigos André Matías y Neto que forman parte de un batallón de operaciones especiales (BOPE), creado con el fin de luchar contra el narcotráfico en las favelas, independientemente de la policía local.
A través de los ojos de Batista, la historia muestra el comienzo de su carrera en la fuerza policial, pasando por su duro entrenamiento y concluyendo en un tremendo relato de la violencia y la corrupción en las zonas más pobres de la ciudad.
El film se ha convertido en un escándalo en Brasil, provocando debates sobre las causas de la violencia en las grandes ciudades y del tráfico de drogas.
Al principio, el film fue concebido como un documental pero no se siguió con la idea porque la policía no quería ser entrevistada.
Es el primer film de Brasil que trata este tema. La idea del director era mostrar lo que significa ser policía en Río de Janeiro y cómo trabajan en las favelas y así se puede entender las razones por qué las fuerzas policíacas son víctimas del sistema, los salarios son bajos y no son compensados por el peligro que enfrentan en su trabajo. Para el cineasta, la película critica a la sociedad y a la política del Brasil, la hipocresía, porque si alguien compra drogas, el estado no puede castigarlo, pero un niño pobre que vende droga va a la cárcel.
El film fue el más visto en el Festival de Berlín de 2008
Sleuth, juego siniestro
Film:Sleuth, juego siniestro.
Director: Kenneth Branagh
Guión: Harold Pinter, basada en la obra de Anthony Shaffer
Intérpretes: Michael Caine (Andrew Wyke), Jude Law(Milo Tindle)
Un millonario, autor de novelas policiales (Andrew), une su ingenio, su cinismo, con el de un humilde actor que sólo tiene juventud, belleza y virilidad, y que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias.
La obra de teatro de Shaffer ya había sido llevada al cine en 1972 dirigida por Manckiewicz llamada “Juego mortal” en donde trabajó Lawrence Olivier y Michael Caine que realizó el rol que ahora interpreta Jude Law.
Esta versión apuesta por el interés morboso, que está muy bien manejado. El marco del film es una casa de estilo georgiano, señorial, pero que en su interior desborda de la última tecnología y diseño moderno. Las escaleras, de concepción expresionista bajo una sutil iluminación, el juego de claraboyas y las cámaras de video que todo vigilan, ubican a este film en el aquí y ahora, desarrollando un gran interés por esa ambientación que otorga nuevos elementos de interpretación.
La rivalidad entre opuestos, juventud versus vejez, está presente en el texto añadiéndose la seducción homoerótica.
La humillación con la que Caine somete a Law pareciera superar el marco referencial de la pantalla al entregar una actuación contundente imposible de imitar por su circunstancial compañero.
La dirección de Branagh es correcta, Caine en su papel de celoso morboso, realiza una interpretación magistral, pero el productor y actor Jude Law tiene una actuación deslucida.
La adaptación de Harold Pinter de la obra teatral de Shaffer convirtió a lo que era casi una comedia en casi una tragedia. Ambas obras comienzan igual, pero por la mitad toman caminos diferentes. El guión se mantiene como una obra teatral en tres actos en los que en el primer acto, aparece Caine como victorioso, en el segundo lo sería Law, ¿y e n el tercero?
Pues hay que ir a verla para saber lo que sucede.
Director: Kenneth Branagh
Guión: Harold Pinter, basada en la obra de Anthony Shaffer
Intérpretes: Michael Caine (Andrew Wyke), Jude Law(Milo Tindle)
Un millonario, autor de novelas policiales (Andrew), une su ingenio, su cinismo, con el de un humilde actor que sólo tiene juventud, belleza y virilidad, y que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias.
La obra de teatro de Shaffer ya había sido llevada al cine en 1972 dirigida por Manckiewicz llamada “Juego mortal” en donde trabajó Lawrence Olivier y Michael Caine que realizó el rol que ahora interpreta Jude Law.
Esta versión apuesta por el interés morboso, que está muy bien manejado. El marco del film es una casa de estilo georgiano, señorial, pero que en su interior desborda de la última tecnología y diseño moderno. Las escaleras, de concepción expresionista bajo una sutil iluminación, el juego de claraboyas y las cámaras de video que todo vigilan, ubican a este film en el aquí y ahora, desarrollando un gran interés por esa ambientación que otorga nuevos elementos de interpretación.
La rivalidad entre opuestos, juventud versus vejez, está presente en el texto añadiéndose la seducción homoerótica.
La humillación con la que Caine somete a Law pareciera superar el marco referencial de la pantalla al entregar una actuación contundente imposible de imitar por su circunstancial compañero.
La dirección de Branagh es correcta, Caine en su papel de celoso morboso, realiza una interpretación magistral, pero el productor y actor Jude Law tiene una actuación deslucida.
La adaptación de Harold Pinter de la obra teatral de Shaffer convirtió a lo que era casi una comedia en casi una tragedia. Ambas obras comienzan igual, pero por la mitad toman caminos diferentes. El guión se mantiene como una obra teatral en tres actos en los que en el primer acto, aparece Caine como victorioso, en el segundo lo sería Law, ¿y e n el tercero?
Pues hay que ir a verla para saber lo que sucede.
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